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El proyecto parte de una necesidad detectada en el norte de España: la falta de un evento inmersivo dedicado a la música electrónica que combine experiencias sensoriales, diseño, innovación y comunidad. Arcadia surge para cubrir este vacío, inspirándose en festivales como Tomorrowland, Medusa o Ultra Music Festival, y adaptando sus claves de éxito al público español, ofreciendo un enfoque único que fusiona arte, tecnología y música.

Aquí se recoge el viaje creativo que hemos recorrido para construir desde cero una marca que va mucho más allá de un festival, Arcadia es un mundo diferente. Desde su identidad visual hasta los productos que acompañarán al público durante su experiencia, todo ha sido pensado para emocionar, sorprender y crear una nueva y única comunidad.

El objetivo principal de este trabajo ha sido crear una identidad visual corporativa reconocible, diferencial e interpretativa para un nuevo festival que no solo busca atraer asistentes, sino generar esa comunidad fiel que hemos comentado que haga que Arcadia se ubique en el mapa. Para ello, se ha trabajado en una propuesta completa que incluye naming, logotipo, paleta, tipografía, productos promocionales, estrategias de redes sociales y desarrollo web entre otros.

Arcadia no solo quiere ser un festival. Quiere ser un recuerdo para toda la vida de sus asistentes. Un lugar al que la gente quiera volver cada año porque sabe que allí pasa algo único. Y esta memoria es el primer paso para hacerlo realidad.

El objetivo principal de este proyecto es crear una identidad visual corporativa única y diferenciadora para Arcadia Music Festival, un nuevo festival de música electrónica con sede en Vitoria-Gasteiz. Esta identidad será la que dará forma a todos los elementos visuales del festival, transmitiendo su esencia innovadora, inmersiva y conectada emocionalmente con su audiencia.

Para enriquecer la marca y reforzar su presencia, se han diseñado distintos productos gráficos y físicos como los carteles oficiales, el folleto informativo en dos idiomas, el packaging con sus respectivas pulseras de acceso y merchandising exclusivo. Todos ellos forman parte de una estrategia visual pensada para conectar con el público objetivo, potenciar la visibilidad del festival y construir una comunidad sólida en torno a Arcadia.

Como acabamos de comentar, uno de los puntos clave del proyecto será la creación y venta de productos pensados para los asistentes al festival, como camisetas con cuatro diseños únicos, pañuelos, banderas, totebag y pegatinas coleccionables, que además de servir como recuerdos, estos artículos están diseñados para ser útiles, sostenibles y representar el espíritu de Arcadia dentro y fuera del festival.

Los objetivos específicos propuestos en este proyecto son:

- Construir una marca valiosa en Vitoria-Gasteiz, que potencie la identidad de la ciudad como destino de referencia en el mapa europeo de festivales.

- Ser reconocida como una marca única y diferente, tanto en sus productos como en la experiencia que ofrece.

- Generar comunidad y fidelidad entre los asistentes, a través de una propuesta inmersiva que va más allá de la música.

- Aumentar el alcance del festival en redes sociales y medios, mediante una imagen fuerte y adaptable a diferentes plataformas.

- Ofrecer una experiencia memorable, desde el primer contacto visual con la marca hasta los productos que acompañan al asistente durante el evento.

“CANI BARROCO” nace con la idea de explorar el concepto de la “transformación”. La obra busca cuestionar la funcionalidad, el simbolismo y la estética de los objetos cotidianos. Se propuso como reto principal descontextualizar un objeto actual de uso común (un casco de moto) y combinarlo con un objeto tradicionalmente decorativo y frágil (un jarrón cerámico), de manera que ambos elementos pierdan su sentido original.

Los referentes principales para la obra son: Do Ho Suh, Ted Noten, Man Ray, Subodh Gupta y Robert Gober. Sus proyectos muestran cómo mediante transformaciones simples de objetos cotidianos, se puede perder la utilidad y protección de los mismos fácilmente. Esto es lo que se quería conseguir con el proyecto y han estado como referentes en todo momento.

El proyecto también debía incorporar un universo gráfico que reforzara los significados de la obra y que mostrase el proceso de creación en todo momento, combinando técnicas manuales con recursos digitales.

La solución final de la obra es una pieza escultórica que fusiona un casco de moto con un jarrón antiguo, transformando su utilidad y estética y creando una mezcla entre lo antiguo y lo moderno, lo frágil y lo resistente, lo útil y lo inútil.

En cuanto al universo gráfico que acompaña a la obra, para reforzar su significado y mostrar el proceso, se combinan técnicas manuales con recursos digitales. Se desarrolló un logotipo hecho a mano que refleja la naturaleza artesanal del proyecto, al cual lo acompaña una tipografía con serifas que interactúan con la gráfica generando recortes y contrastes. Además, se crearon fotomontajes que ponen en contexto la obra, y un escaneo 3D del objeto que permite integrar el mundo físico con el digital. El universo gráfico trata de mostrar cómo ha sido el proceso creativo y la combinación del mundo digital con lo manual en todo momento.

Este proyecto corresponde al Trabajo Final de Estudios (TFE) del Ciclo Superior de Diseño Gráfico de Idarte (curso 2024-2025). Consiste en la creación de una identidad visual completa para Leuk, una tienda de lámparas de tela que combina diseño único, sostenibilidad y compromiso con el trabajo local. El trabajo abarca desde el naming hasta el desarrollo gráfico, incluyendo aplicaciones prácticas y digitales, todo ello guiado por criterios de sostenibilidad, creatividad y coherencia visual.

La solución propuesta para el proyecto de identidad visual de Leuk se basa en la creación de una marca coherente, responsable y con un fuerte valor simbólico. Leuk es una tienda de lámparas de tela que apuesta por la producción artesanal, local, el diseño consciente y el uso de materiales reciclados y respetuosos con el entorno. Todo el sistema visual se construye a partir de una retícula geométrica inspirada en la figura de la luciérnaga, símbolo de luz natural, que conecta con el naming de raíz indoeuropea ("leuk", luz).

El diseño se convierte en la herramienta principal para comunicar los valores de la marca: sostenibilidad, creatividad y compromiso local. A través de una tipografía propia, una paleta cromática neutra y elementos gráficos unificados, se establece una identidad visual que da protagonismo al producto sin competir con él. El diseño de los estampados es único, y sus patrones se utilizan como parte esencial de la gráfica de la marca, reforzando su identidad y valor estético. El packaging, por ejemplo, está diseñado para ser funcional, informativo y visualmente atractivo, utilizando kraft reciclado, ventanas que permiten ver el contenido (y así combinarlo al gusto sin necesidad de abrir la caja), y un storytelling lateral que conecta emocionalmente con el cliente.

Además de resolver aspectos técnicos y estéticos, el diseño actúa como mediador entre la marca y el usuario, guiando la experiencia de compra e interacción. El desarrollo de materiales offline (pegatinas, tarjetas, trípticos) y digitales (web e Instagram) refuerza esta conexión, manteniendo una comunicación coherente en todos los puntos de contacto.

En definitiva, el diseño en Leuk no solo construye una identidad visual distintiva, sino que también transforma el acto de consumir en una experiencia ética, estética y emocionalmente significativa.

El objetivo principal del proyecto es realizar un libro ilustrado infantil. Una historia breve y concisa de manera en la que el público pueda entender un problema cotidiano o una moraleja, tratar de representar sencilla con ilustraciones infantiles, de manera en la que el niño disfrute y conecte con el personaje, pero además, aprenda con la historia.

Además del libro, para que destaque el proyecto por sí mismo en el sector de la literatura infantil, los objetivos secundarios han sido crear productos atractivos complementarios al libro. Además de conseguir publicitar el proyecto en redes sociales.

Se ha creado una identidad literaria para un proyecto ficticio de un libro infantil ilustrado. El producto principal es el libro, maquetado en InDesign e ilustrado en Procréate. La historia trata sobre un personaje discriminado por ser diferente y gracias a un acto heroico demuestra a la sociedad (simbolizada con un banco de peces) que ser diferente es su mayor tesoro. Además, se han creado varios productos, un marcapáginas, un print para colorear y siete pegatinas, todo ello pensado para ir dentro del packaging.

(En el enlace se puede ver la memoria del trabajo, ademas de las estrategias de venta y la justificación mas detalla del diseño).

En este proyecto, el objetivo principal fue diseñar una revista inclusiva de arte, ya que siempre he creído que la expresión artística está muy ligada a las discapacidades. Desde mi nacimiento, sufro una discapacidad en el brazo derecho, que me ha hecho ver el mundo de otra manera, y siempre que me preguntaban por ella, nadie sabía de qué trata esta discapacidad. Por eso he querido crear esta revista, para concienciar, para que más personas conozcan diferentes realidades, diferentes discapacidades, y diferentes artistas y obras creativas de cualquier disciplina artística (literatura, moda, diseño, pintura…).

Los objetivos generales de este proyecto eran los siguientes: crear la identidad gráfica de la revista, crear el soporte gráfico, las redes sociales, y el merchandisign. Todo esto, teniendo en cuenta que tenía que dar visibilidad a personas creativas con discapacidad, que la idea era crear una red de apoyo y comunidad donde los artistas se sintieran cómodos y se visibilizara su talento, y que la revista sirviera como medio de aprendizaje y de concienciación para los lectores de esta.

Teniendo todo esto en cuenta, propuse una interpretación que ampliara el enfoque inclusivo: además de la diversidad en los perfiles de los artistas, incorporé criterios de accesibilidad en el diseño, como una paleta cromática apta para personas con deficiencias visuales, tipografías de fácil lectura, y una maquetación que facilitara la navegación. Para ello utilicé un tamaño tipográfico y contrastes de colores adecuados, a la vez que plantillas, filetes, y jerarquías distintivas. También propuse zonas participativas para que los lectores aprendieran sobre diferentes discapacidades y sobre arte, como sopas de letras, apartados de cuánto sabes sobre arte, desmentir mitos, crucigramas.

Este proyecto no solo me permitió aplicar conocimientos técnicos y creativos, sino también profundizar en el compromiso con el diseño como herramienta de inclusión social y cultural. Diseñar una revista de arte que represente la pluralidad y sea accesible para todas las personas ha sido una experiencia enriquecedora y formativa, que refleja el papel transformador del diseño gráfico en contextos educativos y artísticos. Me ha encantado poder conocer a las personas entrevistadas a un nivel más profundo, aprender sobre estas discapacidades, e intentar transmitir esas historias en un diseño coherente y llamativo.

Se tenía que hacer un logotipo simple pero lo suficientemente llamativo para usarlo en la portada de la revista.
El contenido tenía que ser atractivo ya que tenía que hablar de más cosas aparte de la repostería en si misma.
La paleta de colores sencilla pero cautivadora con tonos pálidos y que se complementen.
La maquetación es limpia con bastante margen simulando la maquetación japonesa de algunas revistas que hay en el mercado.

Se ha diseñado una revista de repostería Japonesa, que habla tanto de los postres típicos o más comunes como de los alimentos que llevan. Además se incluyen los bares o cafeterías en los que se pueden comprar.
Se han usado fotos llamativas y reales así como ilustraciones de los postres para usarlas como recurso, pasa lo mismo con los textos en japonés.

El encargo consistía en diseñar una revista impresa sobre música, centrada en el rap en España, incluyendo la creación de una marca editorial propia que definiera la identidad visual y editorial de la publicación.

La revista debía estructurarse para que cada número estuviera dedicado a un artista diferente, facilitando la creación de una serie reconocible y con continuidad, capaz de captar y mantener el interés del público.

El público objetivo son jóvenes aficionados al rap y la cultura urbana, por lo que el diseño debía transmitir autenticidad, energía y un estilo urbano acorde con el género.

Este proyecto consistía en diseñar una revista impresa de temática musical, centrada en el rap en España. Para ello, se creó una marca editorial propia, definiendo tanto su identidad visual como el estilo gráfico de la publicación.

Cada número de la revista está pensado para enfocarse en un artista distinto, manteniendo siempre un estilo y una estructura coherente para que el lector pueda identificar fácilmente la publicación. En este primer número, varios artículos giran en torno a un mismo artista, sentando las bases del enfoque que seguirá la revista en futuros ejemplares.

A nivel visual, se ha utilizado el color negro como base principal, transmitiendo fuerza y sobriedad, y se ha combinado con toques de color naranja para aportar contraste y destacar elementos clave.

También se han empleado varias tipografías de estilo urbano, con el objetivo de reforzar la estética del rap y dar a la revista una personalidad más cercana y auténtica.

Este número incluye una entrevista, un reportaje y un póster en formato A3, todos centrados en un rapero en concreto, en este caso Hard GZ. Además, la revista cuenta con:
- Dos reportajes generales sobre el rap
- Una sección de noticias sobre la escena del rap
- Un adelanto del próximo artista que protagonizará la revista
- Varias piezas publicitarias